J-pop var 'blåkopien' for K-pop, så hvorfor ser det ut til å ligge etter den sørkoreanske kollegaen?

J-pop var en av de første bransjene som replikerte Motown-modellen, og K-pop fikk snart ledetråder fra suksessen, men de to bransjene kunne ikke være lenger fra hverandre i det nåværende internasjonale markedet

BTS, Kyary Pamyu Pamyu og Jackson 5 (Getty Images)

dr s robert levine nyc

Den sørkoreanske og den japanske popmusikkindustrien kan lett gå head-to-head når kritisk anerkjennelse og salg er bekymret. Likevel, når det gjelder internasjonal popularitet og anerkjennelse, virker noe galt: K-pop har blitt populær nok til at den nå er klassifisert som en sjanger i seg selv, mens bare omtale av J-pop forvirrer mange nye fans. Hvorfor mangler J-pop, bransjen mange som den blåkopien som tidlig K-pop var basert på, mangler det samme internasjonale trekk og viralitet som K-pop ser ut til å ha mestret?

Den moderne popmusikkindustrien har sine røtter på 1950-tallet. Opprinnelig brukt om hverandre med 'populærmusikk', med henvisning til populære ungdomsorienterte stiler som rock and roll, har pop kommet til å bli definert som sin egen sjanger over tid, begynnende med et skifte på 60-tallet mot kommersiell musikk som fokuserte på kortere lengde sanger fylt med fengende kroker, vers-kor strukturer og dans-induserende rytmer og tempoer. Populærmusikk i Korea dateres imidlertid tilbake til 1885 da en amerikansk misjonær, Henry Appenzeller, begynte å undervise amerikanske og britiske folkesanger med koreanske tekster kalt 'changga' på lokale skoler. Mens de var under japansk styre på begynnelsen av 1900-tallet, vokste populariteten til changga-sanger etter hvert som de ble et verktøy for koreanere for å uttrykke sin smerte gjennom musikk. På 1920-tallet, mens populær japansk musikk eller 'Kayōkyoku' fortsatt var i en tidlig fase, blandet den japanske komponisten Masao Koga tradisjonell koreansk musikk med tidligere amerikansk gospelmusikk som ble introdusert i regionen på 1870-tallet, og fødte den tidligste formen for det som ville komme å bli kjent som Enka i Japan og Trav i Korea. Mens alle disse tidlige stilene indikerte noe innflytelse fra vestlig musikk, forble de likevel relativt tradisjonelle i lyden.

Enka-sanger Jero, som egentlig heter Jerome Charles White Jr, deltar på 'The Witch Of The West Is Dead' spesiell screening på Shinjuku Meiji Yasuda Life Insurance Hall 4. juni 2008 i Tokyo, Japan. Jero er den første Black American Enka-sangeren og en populær skikkelse i Japan (Getty Images)

Etter koreansk frigjøring fra Japan og separasjonen av landet i dets nordlige og sørlige regioner i 1945, vokste den vestlige innflytelsen i Sør-Korea. Underholdere som Nat King Cole, Marilyn Monroe og Louis Armstrong holdt forestillinger i Sør-Korea for de amerikanske troppene som var stasjonert der, og muliggjorde spredning av amerikanske medier, inkludert den nye pop-sjangeren, i landet. På 1960-tallet så Sør-Korea, fortsatt fattig etter krigen, en økning i musikere som opptrådte for amerikanske tropper som en måte å tjene penger på, noe som tillot større innflytelse fra sjangere som countrymusikk, blues, jazz, rock and roll alt blandet med tradisjonelle stiler. Da Beatlemania traff Sør-Korea, hadde de sin første bølge av rockeband, startende med Add4 i 1962. Og parallelt med dette skiftet, ble japansk pop født med fremveksten av J-rock-band som Happy End som smeltet de nye populære rockestilene. med tradisjonell japansk musikk på slutten av 60-tallet og tidlig på 70-tallet. På slutten av 70-tallet fungerte crossover fusion som Yellow Magic Orchestra og Southern All Stars hadde tatt over.

Da disse hendelsene utspilte seg, grunnla en ung afroamerikansk låtskriver, Berry Gordy, Motown Records Corporation i 1959 i Detroit, og var banebrytende for ideen om at kunstnerens suksess kunne bli kartlagt hvis de behandlet karrieren slik arbeidere behandlet produkter på en samlebånd. Som Gordy sa det, 'Lag et sted der et barn utenfor gaten kunne gå inn den ene døren, en ukjent, gå gjennom en prosess og komme ut av en annen dør, en stjerne.' Det som resulterte fra denne ideen var Motown Quality Control-systemet: produsenter sendte inn produkter for avstemning, og i overlevelse av den sterkeste stilen, ville de beste få kuttet til å bli sunget av kunstnere, inkludert Mirakler, Fristelser, Fire Topper, Supremes, Marvin Gaye, Stevie Wonder og Jackson 5, alle valgt gjennom en like streng og hensynsløs prosess. Gordy hadde i det vesentlige utviklet en hit-making fabrikk. Og det var denne modellen som fortsatte å inspirere etableringen av Johnny & Associates, et japansk talentbyrå grunnlagt av Johnny Kitagawa i 1962, som stammer fra den østasiatiske modellen som trener idoler tidlig og debuterer og promoterer dem via strenge tidsplaner og viral innhold. Men det var først seks år senere at denne modellen til slutt ble perfeksjonert, med guttebandet Four Leaves som den første store suksessen. På slutten av 80-tallet ville Johnny's være en av de mest vellykkede byråene og en av de få som klarte å replikere Gordys system.

Utsikt over Johnny's Shop 10. juli 2019 i Tokyo, Japan (Getty Images)

På begynnelsen av 90-tallet så Sør-Korea sine egne skift, spesielt med hensyn til sensurlover. En av gruppene i spissen for dette var Seo Taiji and the Boys som i sin korte karriere fra 1992 til 1996 klarte å revolusjonere den sørkoreanske musikkindustrien ved å tilsette rap, engelsk tekst og sosial kommentar med koreansk popmusikk, noe som resulterte i dannelsen av den moderne 'K-pop-lyden'. Seo Taijis eget studio tillot i tillegg sjangere som heavy metal å omgå tung sensur, som igjen lot den moderne K-pop-sjangeren dannes og til slutt blomstre. Medlem Yang Hyun-suk fortsatte med å danne YG Entertainment i 1996, bare ett år etter at sanger Lee Soo-man grunnla SM Entertainment, og begge etikettene hentet inspirasjon fra Johnnys modell. Opptakskunstner og produsent Park Jin-young dannet JYP Entertainment i 1997, og fullførte 'Big Three'.

Men da K-pops verdensomspennende popularitet vokste, ble J-pop tilsynelatende avtatt. I de første årene av begge bransjene var det å finne popularitet i Japan hvordan sørkoreanske idoler fant suksess. SM 'debuterte' ofte sine vellykkede idoler i Japan, noe som satte en betydelig belastning på dem, siden det i hovedsak tvang dem til å starte fra bunnen av igjen. Mest minneverdig brøt TVXQ ut i tårer mens de fremførte singelen 'Proud' på deres 'Five in the Black' -konsert i 2007, et øyeblikk som mange så på som en kulminasjon av deres kamp på et av høydepunktene for deres suksess i Japan. Men til tross for sin toll på artister, fungerte denne tidlige modellen. De fleste tidlige K-pop-fans ble først introdusert for idoler som TVXQ, BoA, Super Junior og mer via deres japanske musikk. Likevel, bare et tiår senere, ble K-pop-idoler kjent for hele verden, mens J-pop-kunstnere forble relativt ukjente.

Det sørkoreanske popbandet TVXQ deltar på showet på MTV Video Music Awards Japan 2007 på Saitama Super Arena 26. mai 2007 i Saitama, Japan (Getty Images)

Dette kan i stor grad tilskrives den japanske musikkindustriens egen uinteresse i global stjernestatus. Mens K-pop finslipte sin modell og perfeksjonerte viralitetskunsten, har J-pops fokus fortsatt på det japanske markedet. Og det er egentlig ingen grunn til at de ikke gjør det, ettersom internasjonal berømmelse ikke nødvendigvis oversettes til pengesuksess. J-pop er fortsatt en av de mest innbringende næringene i verden, og den japanske industrien trekker inn anslagsvis 2-3 milliarder dollar årlig. Senest slo boyband, Arashi ut handlinger som Taylor Swift, Lady Gaga og BTS for å vinne verdens bestselgende album av 2019. På høyden av J-pops internasjonale suksess ble japanske jentegrupper som AKB48 rapportert å trekke inn mer enn den sørkoreanske musikkindustrien til sammen. Denne suksessen fikk den japanske underholdningsindustrien til å replikere modellen for å samle en gruppe unge jenter med nabojenta-konseptet, noe skreddersydd for japansk publikum, og den samme modellen ble senere replikert med K-popgrupper som Girls Generasjon. AKB48 inkluderte, som navnet antyder, 48 medlemmer, inkludert breakout-stjerner som Miyawaki Sakura som nå er medlem av K-pop-gruppen IZ * ONE.

Jentegruppen IZ * ONE opptrer på scenen under den 8. Gaon Chart K-Pop Awards 23. januar 2019 i Seoul, Sør-Korea (Getty Images)

Populariteten til dette konseptet overskygget imidlertid snart resten av J-pop, som tilfeldigvis var en ekstremt mangfoldig sjanger til tross for at den fikk rykte om å være en som dupliserer sitt eget innhold, er motstandsdyktig mot endring og hemmer sin egen vekst ved å nekte å tillate noe fremmed i sine rekker. Fra flerspråklige biraciale handlinger som Golden Half på 70-tallet og Olivia Lufkin på midten av 90-tallet til etnisk mangfoldige samtidige handlinger som Banana Lemon og CrazyBoy, fra grupper med fantastisk koreografi som J-Soul Brothers og E-Girls til vokalbegavede kunstnere som RIRI og rappere som AKLO, har J-pop alle ingrediensene for å være like internasjonalt anerkjent enn K-pop. Tidlige idolgrupper som Arashi, KAT-TUN, News og mer, samt japansk sort-show på gammeldags, beviste også at bransjen hadde det som trengs for å skape virale hit-makers. Sub-sjangre som J-rock er fortsatt noen av de mest populære i verden, med handlinger som Baby Metal som hjelper til med å føde nye sjangre og puste nytt liv i den eksisterende rockindustrien. I tillegg har kunstnere som Kyary Pamyu Pamyu betydelig påvirket vestlig musikk og mote, med alle fra Gwen Stefani og Katy Perry til Lady Gaga og utover å hente inspirasjon fra stilene hun var banebrytende.

Babymetal opptrer på The Other Stage på dag fem av Glastonbury Festival på Worthy Farm, Pilton, 30. juni 2019, i Glastonbury, England (Getty Images)

Men for all suksess er J-pop for det meste skapt av det japanske markedet, for det japanske markedet. Og det ser ut til at de har tenkt å holde det slik, så mye at hvis du tilfeldigvis er en internasjonal fan av bransjen, er du en velkommen gjest, men det forventes at du er en som anerkjenner at dette ikke er en bransje som har noen interesse for catering til deg.